EARRINGS: A CELEBRATION

EARRINGS: A CELEBRATION

To celebrate this abundant harvest season, I have curated a selection of my favourite earring designs developed over the past ten years of my jewellery making.

Written in English.

To celebrate this abundant harvest season, I have curated a selection of my favourite earring designs I have developed over the past ten years of jewellery making.

Earrings have been my preferred kind of jewellery to wear for some time now. There is something special about bold statement earrings that embodies the pure joy of life. It’s a splash of colour that can instantly elevate any mood. To me, they act as little personal talismans, giving me inner strength and boosting my confidence. I often choose colours, shapes and gemstones according to the tasks at hand and the day ahead.

Dressing up with earrings, to me pesonally, can be a gesture of defiance against all the darkness gathering out there. They embody my core creative principles, adding a spark of enchantment to a normal day, reminding me of my connection to Nature, of how lucky I am to be part of this creative craft tradition and that there is joy to be found and cultivated in unexpected places.

While I love asymmetrical earrings or a single bold statement earring (which I am always happy to create for you on request), the symmetry of a face framed by two similar shapes is also very appealing to us. Earrings offer such an easy yet impactful way to express yourself, send humorous messages, instantly uplevel any outfit and even enhance your facial features by accentuating your jawline or elongating your neck.

Enjoy browing through this curated collection below!

Sawing small silver pomegranate shapes by hand.

Pomegranate Fantasy & Spatter Earrings

This is a family of earrings that evolved early in my career and that remains an absolute favourite. Pomegranate Fantasy and Spatter both derive from the stylized image of a pomegranate (read my exploration of pomegranate symbolism to understand its meaning to me personally) with its seeds spilling out; occasionally also from other fruit shapes such as rosehips or pineapples.

Spatter earrings come with a playful ‘spattering’ tail of small gemstones or pearls on delicate flexible wires, while Pomegranate Fantasy earrings simply evoke the same abstracted fruit shapes, but without the glittering gemstone addition.

Both exist in a wide variety of delicious enamelled colours, often with a colour gradient merging two different hues in multiple layers or a contrasting sprinkle of a complimentary colour.

Their hand-sawn perforated patterns allow for surprising lightness, despite the density of precious metals and the weight of enamel. I love adding a spattering of rich reddish garnets - reminiscent of the pomegranate’s jewel-like interior - but some favourites also include shimmering miniature pearls, deep purple amethysts, the tempting glint of ruby and sapphire, or the superior sparkle of a spattering of black diamonds.

All earrings in this collection can be finished either with a hand-crafted hook or an ear stud (sometimes adorned with a pearl or gemstone) in silver or gold. Generally I recommend studs for heavier earring specimens - for that feeling of extra stability.

Large Green Spatter Earrings with amethysts, ‘peacock’ freshwater pearls and a colour gradient from dark forest green to bright leafy hues, carefully layered to create depth and luminosity. These are available here.

Yellow-Green Meadow Spatter enamel statement earrings, with bright yellow and green enamel, playfully freckled to remind you of a summer meadow mood. Available here.

Orange Dragon Breath Spatter with red-orange enamel and a sprinkle of tiny white freshwater pearls.

Midnight Garnet Spatter: Dark blue transparent over white enamels, carefully layered to create depth and luminosity. Completed with a trestle of faceted faceted garnet beads that will sparkle deep red when sunlight hits them from behind. Available here.

Sybilla Earrings

These delicate floral ear studs, worn close to the ear, are made up of layered three-petalled flowers as their underlying geometrical shape. Sybilla earrings contrast an airy, intricate frame with bold colours such as vibrant greens and deep ocean blues. The designs are meticulously hand-sawn from silver or gold, kiln-enamelled in multiple layers and/or patinated, and completed with precious pearls or gemstones at their centre or as an elegant drop-like adornment below. The delicate lattice-like pattern of the blossoms creates volume without being heavy, making these statement earrings comfortable enough to wear for many hours on end.

The SYBILLA collection is inspired by the artist Maria Sybilla Merian, whose work reflects a fascinating interplay of scientific observation, imagination and deliberate, aestheticizing composition. Read more about Merian and her time here.

Sybilla: Pacific statement earrings, meticulously hand-sawn, kiln-enamelled on silver in multiple layers, and patinated. Complemented with pale yellow rose cut diamonds in an 18 carat gold setting, small grey pearls, and precious Tahiti pearls dangling freely from each blossom.

Dark Sybilla earring with pink garnet and patinated silver, available here.

Tilia Earrings

Tilia earrings are named after the Latin nomenclature for linden tree, as they are reminiscent of a tassel of linden tree blossoms as they spill out in summer. These earrings are made up of brightly coloured enamelled fruit shapes that seem to have burst open to release a delicate cluster of different coloured gemstones and tiny pearls. This fairy-like precious ‘froth’ bursting from the enamelled ornament is meant to evoke the linden’s sweet summer perfume.

Because of their volume and complexity, Tilia earrings are among my heavier earring creations and usually come with a sturdy stud and extra large butterflies for extra stabilty.

They are magical when worn: These statement earrings move as you move your head, dance as you walk, and frame your face with a wild fluttering of joyful abundance.

Blood Red Tilia: Statement earrings in a celebratory gush of red enamel and shimmering black pearls, available here.

LeafEater Earrings

My LeafEater series is inspired by those delicate patterns on leaves left ravaged by hungry insects. As I started collecting these and paying closer attention, I noticed how different plants attract different predators, and how they each have their unique patterns. In an attempt to get to know each leaf intimately, I play with these patterns, study the subtle colours, contours, jagged edges, and lace-like cut-outs. LeafEaters speak about the cyclical nature of time, of the skeletal beauty that exists at the edge of decay.

Each leaf is meticulously hand-sawn from silver, copper or gold and kiln-enamelled in multiple layers to allow the colours to merge in that beautiful emotionally stirring way. LeafEater earrings are either finished with a pair of hand-crafted precious metal ear hooks, or with studs set with pearls or gemstones to allows for a secure wearing experience with maximum comfort. The free-moving long leaf can sway gently with your movements.

Orange-Green LeafEater, combining an oxidized sterling silver pomegranate-shaped stud with an elegant, enamelled leaf for a unique look - available here.

A trio of enamelled autumn-inpsired LeafEater earrings.

I continue collecting more patterns for LeafEater earrings on my walk.

Green LeafEaters, with luminous green enamel, gently shaded, on silver and 18 carat gold hooks, available here.

Aninka’s Dreams - Sterretjies

These glamorous earrings form part of the Aninka’s Dreams collection, an homage to my late aunt and jewellery godmother Aninka. „Sterretjies“ – little stars in Afrikaans – are clusters of delicious gemstones on movable delicate gold wires, designed to add a dynamic sparkle to your movements.

There is a distinct festiveness about this special design, especially in the queen of all Sterretjies, a combination of 18 carat gold and black diamonds. Sterretjies are only available in gold and platinum.

Black diamond and 18 carat yellow gold Sterretjies, available here.

Dragonfly Wing Drops

These elegant long wing-shaped earrings are inspired by dragonfly wings with a delicate perforated pattern and evoke a subtle echo of my favourite period in jewellery history, Art Nouveau.

I prefer crafting these with complimentary pearl or precious gemstone studs, allowing the free-moving wing to sway gently with every movement. However, finishing Dragonfly Wing Drops with simple precious metal hooks is also possible.

These long and elegant Blue Wing Drop earrings are a perfect accompaniment for long floaty dresses. The dragonfly-like wings, topped with small pearly crowns, invoke something Art Nouveau-like, an air of a mythical creature from a fairy world perhaps - available here.

These large Amethyst Berry Drop earrings are carefully enamelled in rich mulberry and grape tones, set with beautifully cut light-purple amethysts in one-of-a-kind asymmetrical fantasy prong settings.

Spriggle Ear Studs

The Spriggle earring family emerged as matching earrings for my enamelled neckpieces and have fast become favourites for those among you preferring smaller ear studs to long dangly earrings.

Spriggles add a splash of colour to enhance your mood or accentuate your outfit in a subtle but intentional way. The are carefully enamelled on silver and completed with a protective silver setting, a central pearl or gem, and an ornamental cluster of assorted faceted gemstone beads. Alternatively, the ‘spriggle’ of gemstones may be replaced with a baroque pearl or faceted gemstone drop.

Galaxy Spriggle enamel ear studs: Both everyday-wear and classically festive, with milky-white transparent enamel and a sprinkle of black on silver, finished with a small cream-coloured Akoya pearl and delicate cluster of white freshwater pearls and black spinel dangling just below. Available here.

Dark Violet Spriggle studs enamel studs with iridescent ‘peacock’ pearls and a cluster of gemstones (sapphire, lapis lazuli, pearls, labradorite) to adorn your ears.

Miniature Rainbow Spriggle earrings with contrasting splashes of reddish and green-yellow enamel.

Bespoke Earring Creations

Bespoke jewellery pieces are a marriage of a client’s unique story and my design and craftsmanship. Sometimes, special materials such as heirloom gemstones or found objects are integrated. In this way, a rich narrative of personal associations and imagery is woven into an object of true meaning. If you wish to discuss your own bespoke piece, please contact me via email.

Below are some examples of bespoke earrings I have created over the years:

Bold statement earrings with orange enamelled elements, geometrically cut carnelian, ‘peacock’ pearls, bright turquoise and malachite.

Aninka’s Dreams custom earrings with garnets and black diamonds.

Grape & Vine bespoke earrings. Created for a special wedding outfit. Dark green enamel on silver, patinated sterling silver with a tassle of garnet, onyx and cubic zirconia.

Tiny pomegranate studs with turquoise enamel and white freshwater pearls.

MY CORE PRINCIPLES: A CREATIVE COMPASS TO NAVIGATE STORMY WEATHER

This summer, I have taken some time for deep thought to reflect on my most important beliefs underpinning my creative practice. I think of these nine concepts below as directional pointers for my inner creative compass. This is a deeply personal navigational tool for whenever the weather gets a little rough and stormy, and clear vision is impaired.

Written in English.

Connection to Nature.

1. Connection to nature.

My work is underpinned by my personal belief that almost everything around us has its own kind of consciousness. We are immersed in a web of awareness, a field of subtle interactions between different beings, which we can start to observe if we choose to. We are connected to this living, breathing world around us. We also depend on it for our survival.

I feel most at home in the forest - held by Nature, supported by her, and endlessly inspired by her forms, colours and fractal patterns. Nature has so much to teach: Everything is cyclical. There is a season for everything, which will pass, every time. Death is just the beginning. Nature uses many different types of communication. Nothing is wasted. Everything has its purpose, even if it is ‘just’ to flower. Nature shifts, changes, unfolds, grows under our feet, adapts constantly.

We as a human species have behaved abominably, to our own detriment. Perhaps we could begin to change our perspective if we moved from exploitation mode to collaboration mode. Working closely with all kinds of natural shapes in my art allows me to immerse myself in that web of consciousness, study these different species and their interactions intimately, celebrate Nature’s limitless beauty and inventiveness, and share my obsession with the world.

Devotional craftsmanship.

2. Devotional Craftsmanship.

When I make something - when I draw or paint, cook, write, stitch, enamel, saw, fabricate jewellery, design, imagine a piece of art in my head - I often feel myself moving into an expanded state of being. In this space, I feel connected to a larger, ineffable yet benign source of energy. I feel as if I am opening myself up, gaining access to a vast pool of ideas, dreams and archetypes that might not all be my own, but seem to belong to the world at large. To me, this feels both utterly mysterious and completely normal. Being in communication with this energy is a two-way flow: I feel filled up with ideas, motivation, joy and enthusiasm, and I respond with gratitude, reverence and devotion.

This mixture of meditative and intentional crafting can become a type of prayer, capturing my emotions in my work - my joys and troubles, my excitement at being alive, my reverence for the skilled craft traditions that have come before me, and my devotion to Mother Earth who has birthed everyone and everything. While the making is often more important to me than the finished objects, they matter because they carry a permanent record of my creative prayer. Each piece I create will bear the marks of my hands and spirit; it will carry my intentions out into the world. As you encounter my work, may you feel your heart expand, may you be reminded of the mystery and the wonder of living, and may your entire being fill up with light.

Re-enchanting the world.

3. Re-enchanting the world.

One of my core missions in this life is to re-enchant my personal world and hopefully the lives I touch, too. Re-enchantment means restoring a spark of awe, of otherworldliness, of the numinous to everyday life. It means understanding the universe as a mysterious and unknowable and magical place. I am not against science, on the contrary. But science becomes most fascinating where it pushes right up against the fuzzy edge of the mystery of life.

Re-enchanting the world means opening yourself up for unpredictable opportunities. It means daily excitement at the prospect of living. It means entertaining the idea that we hardly understand anything at all, and that there may be secret invisible worlds all around us.

Re-enchanting the world is an act of defiance against darker forces that thrive on war, conflict, exploitation and suffering; it is a form of empowerment and mental liberation. At its core, re-enchanting the world involves finding, channelling and nursing your personal creative energy. I search for little shards of magic to integrate into my creations, so that the work I make can be a powerful carrier of this enchantment energy and a daily reminder to look at life through that magical lens.

Cultivating joy.

4. Cultivating joy.

Feed your inner child! I spent my twenties and early thirties trying to shoulder my responsibilities and become a ‘real’ adult. Now, moving into my mid-thirties, I’m finding it important to return to my inner Little Nora, to indulge her craving for colour, pattern, costume and play, magic and make-belief. This is another important source of creative energy. Searching for joy quite literally feeds the fountain of my creative capabilities. Joy makes difficult things feel effortless. It is my personal insurance policy against burnout and fatigue and self-doubt.

Searching for joy means doing things with no clear purpose, playing games with yourself, being a little frivolous, dancing with the seriousness of life. It may also mean the practice of finding joy in an activity you usually think of as rather unpleasant, like doing the dishes. Joy is infectious, it is bubbly and light and completely free. I try to surround myself with objects that evoke spontaneous joy: a favourite gemstone, my watercolours, a card I like, a luscious piece of fabric, nourishing food. To me, nothing evokes joy as reliably as vibrant, bold colours and patterns.

I truly hope that my art, especially my jewellery, can act as a buoy of delightfulness for others in their own journey of cultivating joy.

Celebrating the Sacred Feminine.

5. Celebrating the sacred feminine.

The concept of the Sacred Feminine is an archetype, a primordial force of creative power that reaches far back into the nebulous origins of culture. It is rooted in a woman’s miracle-like ability to create and birth new life from her womb, and by extension, all creation energy and the birthing of new ideas into the world (by any gender). It connects the energy of creativity directly to the divine, and is fuelled by love. It is associated with the unconscious mind, and therefore potentially threatening for those that fear the dark. I experience the Sacred Feminine as the seat of my personal power and intuition, my source of self-knowledge, trust in the world, wellspring of abundance, my refuge and my oracle, a portal to my own creative expression and my spiritual umbilical cord tethering me to divinity.

The Sacred Feminine is a powerful force in many different cultures and religions across the world, yet it has been systematically maligned, demonized, suppressed and persecuted for centuries, if not millennia.

I want to revive and celebrate the Sacred Feminine through my work. My multi-disciplinary creative process itself emphasises intuitive work and interconnectedness. Many of my designs are infused with symbolism associated with Nature as the great Mother and the Sacred Feminine: fruit and flowers, water and the ocean, pearls, gemstones, colour symbolism, roses and rose hips, apples, and above all, the pomegranate. Powerful in its duality, the pomegranate embodies the light and the dark; death, blood and destruction, but also fertility, the miracle of life, the tenderness of love and the phoenix-like magical possibility of renewal. I hope that my work can serve as a constant reminder of our own sacred strength - especially for those of us who identify as female.

Adding more colour.

6. Adding More colour.

In a world that is measurably becoming more monochrome (think popular car colours, tech, clothing, interior design, etc.), it is one of my missions to contribute more colour. Colour captures and transports our moods and feelings; it allows for unique emotional articulation. Being colour-conscious means being more aware of effects different colours can have on us. By draining our world of colour, we are depriving ourselves of this very archetypal personal expression.

In the Western world, non-colour is often synonymous with sophistication, while bright colours signify a child-like mindset. This is an idea I find infuriating and which I seek to undermine through my work, adding a splash of colour that is both playful and powerfully stimulating. I continuously experiment with different colour combinations and love how the technique of enamelling lends itself to merging and layering colours in spectacular new ways.

More colour, obviously, signifies more diversity. A lack of diversity, whether in ecology, in society, or culture, leads to instability and erosion with disastrous consequences. I believe in the freedom of personal expression – as much as possible without infringing on the freedom of others – in all spheres of our lives. A colourful world would certainly be a healthier one.

Paying attention.

7. Paying Attention.

Apart from time and physical energy, our attention – meaning our intentional and directed focus – is one of the most valuable limited resources we possess. It is now under constant attack by a flashing, wildly stimulating, noisy and fast-paced world out there, making it incredibly hard to hold on to. Our attention is made into a product by global media companies, who reach into our private lives in increasingly invasive and pernicious ways.

I try to pay more attention to that which I am paying attention to, putting up guard rails against ‘attention leakage’. We all get distracted by shiny things on the internet, so it’s useful to ask: What types of content are truly nourishing, and what seems hollow, inflated and without substance? While I love using digital media to enrich and share my creative world, I want it to feel authentic. I seek to carve out more space to pay attention to my creative work and the meaning it creates in my life. With AI creating vast amounts of vaporous content now, commanding our own attention will become an ever more important skill in the future. Truly being able to pay attention to the quality of our experience is the first requirement for finding awe, re-enchantment, connection and creative flow. Giving someone your undivided attention is the most precious gift we can give.

Nurturing community.

8. Nurturing Community.

While I cherish my solitary creative time, I don’t believe we evolved to navigate life alone. Being part of a strong community gives our lives purpose and creates the stories we weave into our personal web of meaning. We are made to share, connect, question, exchange, give, take, support and mould each other. We have that miraculous and inexplicable capability to love.

I consider my relationships and friendships among the most valuable assets of my life – far more precious than any material object could ever be. I understand relationships to be living, breathing entities; fragile yet adaptable, fibrous, resistant and incredibly strong.

At Atelier NONNE 11 in Bamberg, we have begun to cultivate a beautiful network of like-minded creative souls and craft enthusiasts. Above and beyond my actual art-making work, this creative nexus really nourishes me in a way I could never have anticipated. My husband and business partner Alvaro and I will continue to nurture this network through exhibitions, artist talks, workshops and all kinds of formal and informal in-person gatherings in the studio space and beyond.

Keep searching.

9. Keep searching.

Curiosity is the fountain of youth. In my personal questioning of the elderly around me, it seems clear that those who retain a sharp intellect in old age are also those who remain continuously interested in the world, who never stop learning, who pursue a passion, who read and question and think, who search for connections between different disciplines and who lean into the mystery of life.

Continuing the search does not mean being discontented in the present moment with who we are and what we have. Rather, it means staying supple and dynamic as the world shifts below our feet, remaining interested and playful enough to adapt to new challenges.

For me, it is in the search that I replenish my creative reservoirs and keep expanding my inner world. Every time I revisit an idea, it spirals out further into the universe. My work is often underpinned by stories that might not be visible at surface level – deep rabbit holes of research into history and mythology and culture, evolutionary science, ethnobotany, psychology and the process of meaning-making. My pieces are crystalline embodiments of these thoughts. Even though it is enough to find joy simply in the aesthetics of a piece, every one of my creations carries its own story.

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Winter

WINTER.

I needed a real Northern hemisphere winter, I needed its pause and reflection, its going-underground, its gathering-of-forces, its quiet stripping away of the unnecessairy, its gestation for new creativity to emerge.

Written in English.

It’s winter. I cherish this white and noiseless time between the bustle of our Christmas season and the start of the new year. Since moving to Europe, it’s taken me a few years to learn to fully appreciate winter. Now, I know it’s one of the reasons I wanted to move here in the first place: I needed a real winter, I needed its pause and reflection, its going-underground, its gathering-of-forces, its quiet stripping away of the unnecessairy, its gestation for new creativity to emerge.

My ancestors are mostly German, Hungarian and Swedish. They were Northerners at home in vast forests with hostile winters. While living in South Africa was all I knew as a child, the world did feel upside-down somehow, with Christmas at the height of summer. Coming to Europe felt like returning to a native land, I felt beckoned by the forest, embraced by the local botanicals in hedgerows and meadows. It’s here that my internal rhythm can truly sync up with Nature and allow me to follow her cycles as she inhales and exhales in great breaths of life and death.

Here are glimpses of this past week’s winter walks, as the old year has crawled into hibernation. Underneath the frozen earth, I can almost feel the roots and shoots secretly strengthening.

3 JAHRE NONNE 11 | Ein Fest

3 Jahre NONNE 11

23. Juli - 11. August 2024

3 Jahre Begegnungsort

Vor drei Jahren eröffneten wir - Nora Kovats & Alvaro-Luca Ellwart – ein gemeinsames Atelier-, Labor- und Showroom-Hybrid für unser gestalterisches Schaffen in Bamberg.

Drei Jahre NONNE 11 - das sind drei Jahre Kulturplattform, Begegnungsort und Ideenhub. Hier finden sich stetig weiter entwickelnde Veranstaltungen statt, bei denen gestalterische Disziplinen und schöpferische Ansätze nicht mehr in gesonderten Kategorien gedacht werden.

Im Atelier NONNE 11 entstehen tragbare Schmuckstücke, kleine Kunstobjekte und Grafiken, die bewegende Geschichten erzählen oder einfach verzaubern; es gibt Workshops zum Eintauchen in die alten Handwerkstechniken, Vorführungen zum Miterleben, Abendessen, Konzerte, Artist Talks und Ausstellungen. Selten gewordene Handwerkskunst wird gelebt und mit modernem Design zeitgenössisch weitergedacht.

Immaterielles Kulturerbe Handwerk

Eine unserer wichtigsten Missionen ist das Bewahren des Handwerks als immaterielles Kulturerbe. Besondere oder traditionsreiche Techniken – wie etwa der manuelle Sandguss oder das Emaillieren - werden bei uns nicht nur gepflegt und weitergegeben, sondern auch direkt erlebbar gemacht: Wir wollen die Geschichten hinter der Faszination Handwerkskunst erzählen und herausarbeiten, warum dieser Schaffensprozess uns Menschen so tief berührt.

Zeit und ehrliche Aufmerksamkeit sind das Wertvollste, was wir Menschen einander geben können. Durch eine handwerkliche Leistung, hinter der eine gewisse Aufrichtigkeit gegenüber dem Material, Werkzeug und Plan steht, kann ein Werkstück entsprechend aufgeladen und dann damit weitergegeben werden.

Daher fragen wir nach der heutigen Bedeutung von – mitunter uralter – Handwerkskunst, wie diese in einer zeitgenössischen Gestaltung eine Renaissance erlebt, und was es heißt, dafür mit einer authentischen Haltung einzustehen.

3 JAHRE NONNE 11 JUBILÄUMSFEIER

Wir wollen mit Stolz und Dankbarkeit auf die vergangenen drei Jahre anstoßen!
HERZLICHE EINLADUNG, mit uns diesen Meilenstein mit einer besonderen Sommerausstellung und einem vielfältigen Begleitprogramm zu feiern:

 Unsere SOMMERAUSSTELLUNG - bei der wir jeweils unsere neueste Capsule-Kollektion launchen - findet vom 24. Juli bis zum 10. August 2024 statt.

SONDERÖFFNUNGSZEITEN:
Mittwoch, Donnerstag & Freitag | 14:00 - 19:00 Uhr
Samstag | 11:00 - 17:00 Uhr
sowie zu Veranstaltungen des Begleitprogramms

(Ausnahme: Vom 1. - 3. August 2024 bleibt das Atelier aufgrund einer Privatveranstaltung geschlossen.)

Begleitprogramm

Begleitend zur Jubiläumsausstellung haben wir ein vielfältiges Programm entwickelt, dass zu einer Reise durch ganz unterschiedliche Interessenbereiche einlädt:

Di., 23. Juli 2024 | Artist Talk NONNE 11
im Gespräch mit Nora Kovats & Alvaro-Luca Ellwart
Wir beginnen das Rahmenprogramm unserer 3 JAHRE NONNE 11 SOMMERAUSSTELLUNG mit einem Artist Talk,
in dem wir in unsere Vision für das Atelier NONNE 11 als Begegnungsort und kreative Schaffensstätte eintauchen.

Beginn 19:30 Uhr | Eintritt frei | Plätze begrenzt

Do., 25. Juli 2024 | Kosmos II: The Bells
Konzert mit Jochen Neurath
Klanggefüge aus Klavichord & Sprache

Einlass 19:00 | Beginn 19:30 | Ticket à 15€

Mi., 31. Juli 2024 | Schmuckwerden
Konzert mit Thomas Voit / Flogosonic
Elektronisches Musikgewebe am modularen Synthesizer mit live aufgenommenen Handwerksprozessen -
eine Musikperformance von Thomas Voit, Nora Kovats und Alvaro-Luca Ellwart.

Einlass 19:00 | Beginn 19:30 | Ticket à 15€

Di., 6. August 2024 | WEINTASTING: Mit 7 Weinen nach Bamberg
Autobiografisches Weintasting, erzählt von Nora Kovats & Alvaro-Luca Ellwart:
Begleitet uns auf eine anekdotenhafte Reise, punktuell von 7 erlesenen Weinen unterstrichen.

Einlass 19:00 | Beginn 19:30 | Ticket à 30€

Do., 8. August 2024 | FILMABEND mit Cäcilia Then
Dokumentarischer Kurzfilm von Cäcilia Then,
Artist Talk mit Cäcilia Then & Nora Kovats
mit Snacks und Gin Tonics (mit und ohne Alkohol) von Alvaro-Luca Ellwart.

Einlass 20:00 | Beginn 20:30 | Ticket à 10 €

So., 11. August 2024 | FINISSAGE
Ausklang: Rückblick und Ausblick
Wir beschließen unsere 3 JAHRE NONNE 11-Sommerausstellung mit einem geselligen Nachmittag
im Atelier, und werfen dabei einen Blick zurück und in die Zukunft.

15:00-18:00 | Eintritt frei

Wir freuen uns auf euch!

Tickets und Anmeldungen:
Während der Öffnungszeiten in der NONNE 11 oder per Mail an: info@nonne-11-bamberg.de

Unsere Landkarte, mit der wir durch unsere Welt navigieren.

Aninka: A handful of memories

Without too many words, I’d love to evoke the image of my aunt and godmother Aninka Harms today. Aunt, jewellery designer, artist, baroque violist, mother, wife, creative soul. Ten years ago, an accident ripped her from this world, and she remains frozen in time, forever the 49-year-old she was then, forever never aging.

I looked back to some early photographs, trying to find images that capture the way in which she influenced me. While I would certainly have become a creative soul with or without her, I’m sure that she encouraged me in my creative unfoldment and even influenced me significantly on my jewellery path. This here is by no means a complete picture; on the contrary, it’s a very scewed one, just a scattering of memories for the occasion.

Aninka was such a complex and multifaceted person, like one of those new artsy cut gemstones: asymetrical, glittering, beguiling, beautiful, caught in mid-dance, yet with unknowable depths and hidden facets too.

This photograph above must have captured one of our very first meetings. It’s a whole story: Me keeling over, having sat, unsteadily, just a second before, wedged in a corner of our horrible brown corderoy couch. Then the milky stain, my crocheted slippers, her keen interest, neck outstretched. Here, she is not even thirty, just starting out her career as a free-lance jewellery designer in Salzburg.

Here we are, on my very first visit to Europe at 18 months. It was summer, some time before my brother was born, when I basked in the world’s attention. Aninka is all curls and movement and crinkly laughter.

Above, another summer visit to Europe, a bit later, when I was in second grade. Now, Aninka and her then-husband Hans had moved to Munich. The sisters - my mother and Aninka - saw each other seldomly, their lives on separate continents. A visit was all the more intense then, after many months if not years of not seeing each other. Here we all are - my brother, my cousin, Aninka and myself - crammed into her bed with morning coffee and cocoa in hand-made cups. It’s an impressive array of different hairdoes, with my brother’s being the most normal.

On that same visit, Aninka gave me my first oil paints, and apparently I am unstoppable here, way past my bedtime, painting in my nightgown covered in an old over-sized t-shirt of hers for protection. This was in her flat in Munich in Baaderstraße; I still remember the high ceilings, the long passageway, the wooden floors treacherous with splinters.

Here, above, is another thousand-word-photograph: The abundant floral arangement from my grandmother’s garden, Aninka painting with watercolours, apparently critical of her own work; my brother and me trying to paint as well, my face a mixture of admiration and envy, serious, with that high fringe so long before it became fashionable. My brother is holding his paintbrush in the special pen grip he had developed for himself during that time, which his kindergarden teachers eventually drummed out of him.

Here, just a scattering of memories, snapshots, frozen in time. While Aninka and I certainly had our disagreements and painful moments later on, she did inspire a sense of excitement and awe around art and jewellery and all things beautiful in me. Tonight, quite grateful, I raise a glass to her, my very own fairy godmother.

DIE KUNST ZU SCHENKEN: Ausstellung im Historischen Museum Bamberg

DIE KUNST ZU SCHENKEN

Wir spüren es intuitiv: Ein handgefertigtes Objekt, in das die gestalterische Kreativität und das außerordentliche handwerkliche Können einer kunstschaffenden Person geflossen ist, lebt; es ist beseelt. Ganz anders als die vielen massengefertigten Fabrik-Produkte, die uns im Alltag umgeben.

Am zweiten Adventswochenende stellen zwölf Kunstschaffende ihre Arbeiten in den ehemaligen Pferdeställen der Alten Hofhaltung im Historischen Museum Bamberg aus. Von Keramik bis Handweberei, Malerei und Metallgestaltung, Emaille und Holz, vom handgefertigten Schreibgerät bis zum leuchtenden Porzellanobjekt, sind eine Vielzahl verschiedenster Gewerke und Positionen vertreten. Diese Verkaufsausstellung bietet dazu die Möglichkeit, selbst mit den Künstler:innen ins Gespräch zu kommen, in ihre einzigartigen Welten einzutauchen und exquisite Geschenke zu erwerben.

Im Fokus steht die Qualität des handwerklich-gestalterischen Könnens. Besondere oder traditionsreiche Techniken werden von diesen Künstler:innen nicht nur sorgsam gepflegt, sondern in den fertigen Arbeiten auch direkt erlebbar gemacht. Die Ausstellenden 2023 sind:

• Elke Eder-Eich, Keramik

• Alvaro-Luca Ellwart, Schmuck/Objekt

• Dagmar Christina Gerke, Glasdesign

• Christiane Hamacher, Malerei/Ikonen

• Sophie B. Kloess + Jan Hebach, Metallgestaltung Silber und Stahl

• Nora Kovats, Schmuck/Illustration

• Nicole v. Lindeiner/ das Tuchwerk, Handweberei

• Reinhard Netter, Drechslerei

• Frank Pressentin/ Elbwood, Schreibgeräte

• Jochen Rüth, Keramik

• Christiane Toewe, Studioporzellan

• Richard Wientzek, Zeichnung/Printedition

Veranstaltungsort:
Museen der Stadt Bamberg
Historisches Museum in der Alten Hofhaltung
(Ehemalige Pferdeställe)
Domplatz 7, 96049 Bamberg
www.museum.bamberg.de  

Öffnungszeiten:
Sa.   9.12.23     10:00 – 19:00 Uhr
So. 10.12.23     10:00 – 17:00 Uhr 
(Sonntag Eintritt frei.) 

Dieses Projekt ist aus der früheren Künstlermarkt-Initiative LAST MINUTE der Bamberger Porzellankünstlerin Christiane Toewe entstanden. Die neue Ausstellung wird von Toewe gemeinsam mit dem Gestalterpaar Nora Kovats und Alvaro-Luca Ellwart kuratiert, und in Zusammenarbeit mit den Museen der Stadt Bamberg umgesetzt. Sie findet zum ersten Mal in dieser Form in der Alten Hofhaltung statt.

DIE KUNST ZU SCHENKEN soll einen wertvollen Beitrag zur vorweihnachtlichen Kulturlandschaft der Stadt Bamberg leisten.

Wir freuen uns über euren Besuch!

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Grassimesse: Impressionen

Grassimesse: Impressionen

Deutsch.

Grassimesse! Einige Eindrücke von unserem spontanen Ausflug nach Leipzig heute.

Gabi Veit am ‘Gedeckten Tisch’, einer bankettartigen Installation, die die Schmuck- und Metallkünstlerin in Kooperation mit der Keramikerin Dietlind Wolf zusammengestellt hat.

Keramik von Dietlind Wolf mit Silberlöffeln von Gabi Veit.

Stimmungsvolle Beleuchtung in der Alten Orangerie des Grassimuseums.

Dietlind Wolf + Gabi Veit.

Dietlind Wolf + Gabi Veit.

Dietlind Wolf + Gabi Veit: eine festlich gedeckte Tafel, im Spiegel.

Leuchtendes Glasobjekt von Dagmar Christina Gerke. Das noch flüssige Glas wird in Formen aus Bambus gepresst, die organisch-wellige Abdrücke im Glas hinterlassen.

Handgewerbte Teppiche und gefilzte Sitzkissen von Michelle Mohr - aus einheimischer, nachhaltig gewonnener Schafwolle.

Handgewerbter Teppiche von Michelle Mohr.

Glasobjekte mit integrierten Kupferelementen von Federica Sala.

Detail: Glasobjekt mit Kupfer-Kragen von Federica Sala.

Keramik von Kiho Kang.

Holzobjekte von Konrad Koppold.

Bumiller Collection: A Hidden Gem

A Hidden Treasure Collection

English.

Did you know that in the heart of Bamberg’s old town, hidden in a medieval building accessible from a narrow side-alley, there’s an incredible collection of Islamic art from the Middle Ages? Neither did I, until recently. The Bumiller Collection includes about 6500 objects, crafted from metal, ceramics and stone, with most of them roughly dating to a period between the 7th and 13th century BCE and originating from what today encompasses Iran, Uzbekistan and Afghanistan.

Today, we spent the morning absorbed in the aura of this meticulously restored historical building and the treasures it contains. Highly recommended.

Me hunting for patterns as usual, and pomegranates.

Exquisite little bronze perfume or cosmetics bottles. Beauty paraphernalia was huge in the medieval Islamic world.

Antikmarkt Bamberg: Eindrücke

Antikmarkt 2023

Deutsch.

Antikmarkt in Bamberg: Ein zelebrierter Bummeltag, in dem die ganze Stadt mit Antiquitäten aller Art gefüllt ist, und alles von Trödel bis zu echten Kunstschätzen zu finden ist. Dieses Jahr besonders schön im noch fast spätsommerlichen Sonnenschein.

Fies dreinblickende Weihnachtsdeko, teilweise mit handgefertigten Glas-Christbaumverzierungen aus dem 19. Jahrhundert.

Thoughts about Lichens

Thoughts about Lichens

Today, I’m reading about lichens. How they cover as much as 8% of the earth’s surface (more than is covered by tropical rain-forests), how they are ancient composite organisms made up of fungi, algae and cyanobacteria, how they can exist in the extremest conditions. Merlin Sheldrake calls them “small worlds” in his book Entagled Life - How fungi make our worlds, change our minds, and shape our futures. “Lichens are places where an organism unravels into an ecosystem and where an ecosystem congeals into an organism.”

I’m very interested in this miracle of symbiosis and collaboration, not to metion the aesthetic versatility they display. On my recent travels to South Africa, I encountered them everywhere - pink lichen growing directly on the red hard earth in the Cederberg mountain range, bright yellowish-green ones on coastal rocks, exposed to sun and Atlantic sea-spray and salt. What happens when mosses and lichen are neighbours?

I’m thinking about how to build an impression of organisms-growing-on-other-organisms in my work, how I can play with these soft-hard surfaces, how I can use these textures, colours to create a sense of encrustation, composite beings, colonies (as you can see in my recent experiments below).

My 40 Day Autumn Challenge: 29.09.2023-07.11.2023

Autumn

40 Days ofd Seasonal Thoughts & Impressions

These images and thoughts below are fragmentory on purpose; they are intended to capture different snapshots of this season, being edited and expanded with each passing day.

End of September: Meadows. Currently one of my biggest joys: exploring the meadows that slope around the Altenburg hill above Bamberg, spending time in that infinite and ever-changing ecosystem, bending down and looking at life up close, moving between grassland and hedges teeming with insects, wildflowers, birds, rosehips, berries. Every season paints these hills in new colours. Right now, a large variety of pale pinks and bluish purples are complemented with creamy white dabs of Queen Anne’s lace flotsam. The meadowflowers’ evocative German names are like poetry; Wiesenflockenblume, Herbstzeitlose, Wiesenschaumkraut, Gamander-Ehrenpreis,  Schafgarbe …

Here, my search for this week’s colour combinations is accompanied by one of my grandmother’s hand-crafted blue stoneware vases.

The early October vegetable patch: a place of solace and quiet joy and late-summer-early-autumn abundance, a place to sketch on a Sunday afternoon, a place to tend in meditation.

It’s the season for long rambling walks, for the very last of the wild plums, for harvesting apples in the garden, for slow transitions.

While October marches on and the first night frosts have hit us already, I’m documenting some of the wildflowers in my sketch book that are still to be found in the meadows this late in the season: mugwort, yarrow, knapweed, the occasional Queen Anne’s lace bobbing above the green sea, and some other stragglers too. Most spring and early summer blossoms are long gone.

It’s a time for collecting seeds, in the garden, at the road-side, in the fields. Now that I’ve watched flowers grow and unfold and blossom, I’ve seen their entire cycle of life and know their characteristics inside-out: I know the exact shade of yellow of that clump of St. John’s wort bushes, or the tantalizing aromatic smell of the cinnamon basil on my doorstep, or my favourite type of blue-bell. So it’s time to gather the promise of smells and flavours and colours and potential for next year.

GOLDEN HARVEST - OR MY 40 DAY AUTUMN CHALLENGE

GOLDEN HARVEST - OR MY 40 DAY AUTUMN CHALLENGE

I have become increasingly disillusioned  and alarmed by social media. I love seeing a kind of chronicle of my work, with colours, inspirations, studio snapshots and finished artwork curated into that neverending tiled layout. I love selecting images thoughtfully, matching moods and colours. But the perils of social media have become impossible to ignore, and we know it. Yet, we creatives (I) cling to these platforms, thinking that they are essential for reaching more people, for displaying our work. And it’s true, it’s difficult to come up with a benign alternative.

So, I am embarking on an #autumnchallenge for myself. Here is an experiment: For the next 40 days, or until this year’s autumn craftshow season starts on the 9th of November, I want to create and post something new every day. A thought, a photograph of my autumn meanderings, a snapshot of my jewellery bench, or a drawing. Some kind of real creative output. The overarching theme for me now is the changing season around me, harvesting, the golden slanted light, the stark contrast between the living and the dying.

I will not post these daily snippets on any social media platforms I don’t own, but rather on this blog. 

The purpose of this 40-day immersion is two-fold.

I want to see if I can create a curated chronicle of ideas that will give me the same sense of satisfaction elsewhere than on my Insta feed. But in an online space without the distractions, without the echochambers, and without the precarious feeling that my creative work is no longer under my own control. 

More importantly, I want to generate momentum for another productive period of making, I want to dive into the studio, to draw, to enamel, to saw and bend and solder and compose, to put together what I have gathered over the past few months and watch whatever emerges.  I want to share this process with those who want to see, but without making myself dependent on likes and responses. And I want to hold myself accountable, to move against the tide of short attention spans and superficial ideas and lack of concentration and decline in deep though that is spreading across the globe like an epidemic.

If you wish to accompany me on my explorations, you are exactly right here on my blog. I’ll see how I feel and reflect on this period of making - hopefully a rich October harvest - afterwards. 

Photograph by Knipserchris.

Stipendium "Junge Kunst und Neue Wege"

“JUNGE KUNST UND NEUE WEGE”

Arbeitsergebnisse eines Stipendiums des Bayerischen Staatsministeriums für Wissenschaft und Kunst

Auf Deutsch.

Im Sommer 2022 erhielt ich das Stipendium „Junge Kunst und Neue Wege“ des Bayerischen Staatsministeriums für Wissenschaft und Kunst, das mir erlaubte, mich einem größeren künstlerischen Projekt zu widmen. Im Rahmen dieses Stipendienprojekts habe ich die Kollektion SYBILLA entwickelt, die auf den Herbstmessen dieses Jahres zum ersten Mal präsentiert werden soll. In diesem Blogeintrag folgt eine detaillierte Beschreibungen sowie zahlreiche Abbildungen des Arbeitsprozesses. Mitunter sind weitere Einträge dieses Blogs unterverlinkt, die einige der recherchierten Themen zusätzlich aufgreifen und vertiefen.

Zielsetzung

 Ich hatte mir in diesem Projekt zum Ziel gesetzt, eine besonders große und komplexe Arbeit in Angriff zu nehmen, bei der meine Arbeitsweise nicht vom potentiellen wirtschaftlichen Erfolg des Resultats beeinflusst sein sollte. Insbesondere wünschte ich mir Zeit und Mittel, umfangreicher mit verschiedenen Emaillefarben und -techniken experimentieren zu können. Ich wollte durch die Verbindung von tragbarem Schmuck und Installation Arbeiten schaffen, die die Abgrenzung zwischen Angewandter Kunst, Schmuck und Objekt verwischen. Inhaltlich wollte ich mich in das Thema (Paradies-)Gärten vertiefen und einzelne Symbole daraus gestalterisch in meiner Arbeit hervorheben. Die Arbeit sollte in einer Installation gipfeln, mehrschichtig und ganzheitlich wie ein Ökosystem gedacht.

Pinnwand am Arbeitsplatz, bedeckt mit Zeichnungen, Experimenten, halbfertigen Emaille-Elementen und Materialproben.

Erste Entwürfe mit dreiblättrigen Blüten, am Arbeitsplatz an die Wand gepinnt.

Tuschezeichnung. Die archetypische Form wird durch zahllose Wiederholungen immer wieder variiert.

Arbeitsprozess & UMSETZUNG

Die Umsetzung dieses Projekts begann zunächst mit vielen Zeichnungen (freiere Skizzen und lösungsorientierte Entwurfszeichnungen) und Recherchen. Ich beschäftigte mich intensiv mit Themen wie etwa historischen Paradiesvorstellungen, mit der mittelalterliche Suche nach dem Garten Eden, und dem neuzeitliche Interesse am Forschen und Sammeln von (aus westlicher Sicht) „exotischen“ Pflanzen, Tieren und kulturellen Objekten, die in botanischen Sammlungen, Florilegien und Wunderkammern präsentiert wurden. In dieser Zeit rutschte mein Fokus vom Granatapfel (mit dem ich mich schon einige Jahre intensiv beschäftigt hatte) als zentrales Symbol des Paradiesgartens, mehr in Richtung der ästhetisierten botanischen Zeichnungen des 17. und 18. Jahrhunderts im Allgemeinen. Speziell kristallisierte sich die stilisierte drei- oder sechsblättrige Blüte als Symbol der botanischen Neuankömmlinge in Europa für mich als gestalterisches Element heraus. Die achsensymmetrische Blüte ist eine visuelle Verschmelzung von Ordichee, Tulpe, Schwertlilie und anderen Zwiebelgewächsen mit farbenprächtiger und „exotischer“ Blütenfülle.

Ich arbeitete an das Thema heran: Es entstanden sowohl lösungsorientierte Entwurfszeichnungen als auch durch freiere Skizzen und Collagen.

Dabei fasziniert mich speziell der fließende Übergang zwischen Imagination und naturwissenschaftlicher Beobachtung in den botanischen Illustrationen des 17. und 18. Jahrhunderts. Oft sind in Zeichnungen dieser Zeit komplette Ökosysteme dargestellt, wobei die Fantasie Wissenslücken gekonnt ausfüllt oder Beobachtetes frei ausschmückt. Beispielsweise werden Pflanzen und Insekten gemeinsam abgebildet, die in Wirklichkeit keine spezielle Beziehung zueinander haben. Auch werden Pflanzen gleichzeitig blühend, Früchte tragend und Samen formend dargestellt – ein biologisch unmöglicher, mythisch-paradiesischer Zustand also (und gestalterisch von großem Interesse). Komposition und Ästhetisierung sind dabei sehr wichtig. Eine Künstlerin und Naturforscherin, deren Arbeiten hier ganz besonders hervorstechen, ist Maria Sybilla Merian (1647-1717). Meine Kollektion SYBILLA, die hier in diesem Stipendienprojekt ihren Anfang nimmt, ist nach ihr benannt.

Jede Farbe hat ihre eigene Persönlichkeit, ihre eigene Ausstrahlung. Deshalb ist es notwendig, einen Katalog der vorhandenen Farben zu erstellen. Dieses Wandbild, das immer weiter ergänzt werden kann, stellt eine einfache Version dar; komplexere Farbpaletten zeigen dieselbe Emaillefarbe oft auf drei bis sechs verschiedenen Untergründen, denn besonders transparente Farben wirken sehr unterschiedlich je nach Trägermetall und Fondant-Unterlage.

Dem Zeichnen, Skizzieren und Lesen folgten zahlreiche Emaille-Experimente. Ich konnte durch das erhaltene Stipendium eine große Menge neuer Emaillefarben und Zubehör sowie Kupfer und Silber zum Emaillieren erwerben. Aus den neuen Farben fertigte ich als erstes Farbproben, die dazu dienen, die Charaktereigenschaften der Farbe zu testen und als Farb-Referenz für zukünftige Arbeiten zur Verfügung zu haben. Konkret bedeutet das also, dass die pulverisierten Emaillefarben gewaschen, auf kleine Kupfer- oder Silberplättchen aufgetragen und anschließend aufgebrannt und katalogisiert werden müssen. Auf der Suche nach spannenden Kombinationen kombinierte ich in manchen Experimenten mehrere Farben in Lagen übereinander.

Die Emaillefarben werden von mir assoziativ mit persönlichen Farbnamen versehen. Hier ist eine Reihe von Proben abgebildet, die Übergänge verschiedner Farben ineinander zeigen. Ich bin in diesen Experimenten auf der Suche nach sanften, magisch schimmernden Farbübergängen, die im Betrachter eine emotionale Reaktion auslösen.

Historische Emaille-Farbpaletten aus den 60er oder 70er Jahren, die ich mit einem alten Emaillekonvolut übernommen habe. Hier sieht man links den Test auf Silber, mit verschiedenen Unterlagen, und rechts auf Kupfer, ebenfalls mit und ohne Fondant.

Experimente dieser Art sind immer sehr arbeitsintensiv, aber nur so sind auch zufällige und neue Entdeckungen möglich. Da die zu emaillierenden Elemente meiner Kunstobjekte ebenfalls sehr zeitaufwendig goldschmiedisch gefertigt werden (ausnahmslos von Hand ausgesägt, aufgetieft, gelötet, konstruiert), möchte ich natürlich vorher sicher sein, mit welchen Farbkombinationen die gewünschten Effekte erzielt werden können. Trotzdem ist der Emailleprozess selbst von vielen Variablen beeinflusst und das Arbeitsergebnis oft unvorhersehbar. Genau dieses Zusammenspiel von Planung und Spontanität macht für mich den Reiz am Emaillieren aus: Dem Arbeitsprozess wohnt für mich eine Magie inne, die es hervorzulocken gilt. Das funktioniert nicht mit Wille und Gewalt, sondern nur durch Zeit und Zuwendung, Geduld, Demut, und dem Wissen, dass dieser Emailleprozess mir ein Tor zu etwas Größerem, Mitreißenden öffnen kann.

Mit einem Aushauer und Hammer werden Ronden aus Kupfer für Emailleproben geschlagen.

Vorbereitung: Blüten mit Fraßlöchern werden sorgfältig mit der Goldschmiedesäge ausgesägt. Dabei muss das Sägeblatt für jede einzelne Öffnung ausgespannt, durch ein Loch gefädelt und wieder festgezogen werden. Die Spuren des Handgemachten verleihen dem Stück eine spürbare Lebendigkeit, die nicht mit lasergeschnittenen Alternativen zu erreichen wäre.

Collier SYBILLA I auf der Werkbank, nur noch die allerletzten Handgriffe sind zu tun. Der Reigen aus Emailleblüten ist in patiniertes Silber gefasst und mit üppigen Granatsträngen und grauen Perlen kombiniert.

Im Herbst 2022 hatte ich einen ersten großen Halsschmuck der Kollektion SYBILLA entwickelt: Ein barock anmutendes, opulentes, bordeauxrot emailliertes Collier aus archetypischen dreiblättrigen Blüten, teils durchbrochen, wie von Insekten zerfressen, die mit mehrsträngigen Granatketten verbunden sind. Die dreifach gespiegelte achsensymmetrische Blüte als Archetyp der „exotischen“, aus fernen Ländern importierten Blume steht im Zentrum des Colliers. Gefasst sind die Blüten in weitere, noch stärker zerfressene Blüten aus patiniertem Silber. Es ist ein Reigen aus Ordnung und Chaos, aus Schönheit und Zerfall, aus Fressen und Gefressenwerden.

SYBILLA I - die erste Kreation der neuen barock Kollektion.

Zum Jahresende hin ergab sich eine spannende Kooperation mit der Schneidermeisterin und Modegestalterin Sonja Schön, die das neue SYBILLA-Collier mit diesem Outfit der Kollektion SPREAD YOUR WINGS kombinierte.
Model: Imke Hout; Fotograf: Joao Pinheiro; Maske: Sophie Schütt.

Ein zweiter Halsschmuck ist aktuell im Entstehen, sowie parallel mehrere kleinere Stücke wie Statement-Ohrringe und Tischobjekte. SYBILLA II ist noch ausladender, mit zart changierenden rosa-schwarz-opalweißen Blütenblättern, die mit Süßwasserperlen zu einer opulenten Komposition zusammengefügt werden sollen. Dieses Stück wird in ein größeres Aquarellkunstwerk eingefügt, sodass die emaillierte Blütenelemente eine Verwischung zwischen zweidimensionalen und dreidimensionalen Darstellungen, zwischen Objekt, Angewandter Kunst und Schmuck bewirken.

Zentrale Blüte des Statement-Colliers SYBILLA II im Emaillierprozess.

In einer Mischung aus opalisierendem Weiß, Hellrosa (das den Namen “Geisha Blush” trägt) und rotstichigem Schwarz entsteht diese betörende Farbenkombination.

Entwurf für das Collier SYBILLA II aus (zerfressenen) emaillierten Blüten, Silber, üppigen Strängen von Süßwasserperlen, und eleganten Tropfen aus schwarzem Spinell.

Auf dem Arbeitstisch: SYBILLA OHRSCHMUCK aus blau-violett emaillierten Blüten, mit patiniertem Silber, kostbaren Tahitiperlen bläulichen Süßwasserperlen und blassgelben Diamanten im Rosenschliff kombiniert. Die Edelsteine und Perlen erstand ich teilweise auf einer Studienreise nach Pforzheim im Juli 2022, wo ich im Lager der Firma SCHÜTT in bezaubernde Edelsteinwelten eintauchen durfte.

SYBILLA OHRSCHMUCK aus blau-violett emaillierten Blüten, mit patiniertem Silber, kostbaren Tahitiperlen, bläulichen Süßwasserperlen und blassgelben Diamanten im Rosenschliff kombiniert.

Pandemie, Stipendium & Weiterentwicklung

 Die Corona-Pandemie bedeutete für mich, wie für so viele im Kreativbereich, einen großen Einschnitt in meinen Arbeitsprozess. Mir fehlte es an Zeit, Freiraum und Material, mich an etwas Größeres zu wagen, das nicht zwangsläufig mit wirtschaftlichen Erfolgen verknüpft war. Diese Freiheit hat mir nun das Stipendienprogramm „Junge Kunst und Neue Wege“ geschenkt.

Ich konnte mit Hilfe des Stipendiums eine ganz neue Kollektion zu entwickeln. Die hier abgebildeten Arbeiten sind nur der Anfang; in den nachfolgenden Monaten sind noch weitere Arbeiten dieser Kollektion entstanden und werden kontinuierlich weiterentwickelt - sowohl kleinere Stücke und ausladende Statement-Colliers, als auch multidisziplinäre Installationen. Hier dazu einige Beispiele:

SYBILLA. Doppelbrosche. 2023. Emaille, Sterlingsilber, Kupfer, Perlen (Süßwasser und Barock), Labradorit, Onyx, Amethyst, 750er Gold, fleckfreier Stahldraht. Emailliert, handgesägt, gelötet.

Detail: SYBILLA Collier. 2022-2023. Emaille, Kupfer, Silber, Granat, Spinell, schwarze Barockperle, 750er Gold. Emailliert, handgesägt, konstruiert.

SYBILLA Ohrschmuck. 2023. Emaille auf Feinsilber, Amethysttropfen (nachhaltig, von der Firma SCHÜTT), rosa Süßwasserperlen, 750er Gold, Sterlingsilber. Von Hand gesägt, emailliert, konstruiert.

SAILING FOR EDEN

Sailing for Eden

Columbus & the Medieval Search for Paradise

Written in English.

In July 1498, after a perilous sea journey, a Genoese admiral and his crew sighted land, at long last. The admiral was Christopher Columbus and this was the third of his four voyages of discovery, venturing further south than on his previous expeditions. The official reason for his expedition was to discover a sea route to Asia; however, Columbus also nurtured more private ambitions concerning the whereabouts of paradise.

Although famous for discovering America, Columbus never realised that he had indeed found a continent unknown to Europeans. He believed himself to be near Asia’s easternmost part, having calculated that Asia must be a few thousand nautical miles to the west of Europe (Scafi 2013:80). The fleet had been becalmed for weeks in scorching temperatures; fearing the threat of mutiny and sickness (perhaps the crew were adherents of the wide-spread medieval belief that the equatorial zone, or the ‘torrid zone’, was inhabitable to humans and that, as the Greek scholar Erastothenes believed, the sun would burn men alive (Rushby 2006:68)), Columbus eventually turned west and reached modern-day Trinidad.

This iconic engraving by Theodore de Bry, from 1592, shows Columbus disembarking on the Caribbean island of Hispaniola in 1492. Source: Public Domain Review.

 Calculations based on his probably erratic compass readings lead him to the peculiar postulation that he was sailing up a slope (Rushby 2006:67). He later wrote to King Ferdinand and Queen Isabella of Spain, who had partly funded his mission: “I have found such great irregularities that I have come to the following conclusions concerning the world: that it is not round as they describe it, but the shape of a pear, which is round everywhere except at the stalk, where it juts out a long way, […] something like a woman’s nipple” (cited in Rushby 2006:68). Columbus concluded that this great earthly nipple was the exact point where the long-lost Garden of Eden was to be found, and that he was going to play a pivotal, and possibly well-rewarded, role in its discovery (Rushby 2006:68).

Christian paradise was understood by many medieval theologists as a very specific place on earth that marked the beginning of human time. Medieval mapmakers took up the challenge to locate the mysterious Garden of Eden cartographically. This endeavour entails a fascinating fragment of Western intellectual history, not least “because of the inherent paradox of mapping the unmappable” (Scafi 2013:30). Towards the end of the 15th century, the idea of an earthly paradise in a real, geographical location somewhere in the east was still very much ingrained in the public imagination. Paradise was believed to be inaccessible as it was situated on top of a very high mountain, thus Columbus’ conclusion of sailing upwards led him to the belief that he was advancing towards paradise.

Christian interest in the location and mapping of an earthly paradise, sparked in the fifth century CE by St Augustine’s literal interpretation of Genesis, was more or less restricted to Latin Christian Europe. Eastern Christians preferred a more symbolic reading of the paradise narrative (Scafi 2013:30). Early debating on the nature and location of the Garden of Eden resulted in two main approaches, one allegorical and one literal. The literal interpretation produced a story of paradise tied closely to the plane of human history; it brought the divine almost into reach. St Augustine believed that to doubt the historicity of the Bible implied that Scripture could be questioned; and to deny the historical existence of Adam and Eve and the story of the Fall was to risk the whole Christian dogma falling apart (Scafi 2013:43). Such a literal approach would imply a very real site for paradise. The question of paradise’s whereabouts caught the imagination of biblical exegetes “who drew out of Augustine’s writings the latent geographical discourse and who named the place where mapmakers could put paradise” (Scafi 2013:44).

Ebstorf Mappa Mundi, late 13th to early 14th century, discovered in the Abbey of Ebstorf near Lüneburg in Northern Germany. Source: Lanschaftsmuseum.de.

The Ebstorf World Map is a splendid example of medieval ideas of paradise. Possibly made in Ebstorf in Northern Germany and dated between the late thirteenth and early fourteenth century, the Ebstorf world map depicts the Garden of Eden as an “event-place at the very boundary of time and space” (Scafi 2013:72). It is represented at the very top of the map by a rectangle enclosing Adam and Eve, the four rivers of paradise as they disappear into the ground, the Tree of Life and the Tree of Knowledge of Good and Evil. The mysterious garden is located in the East, near India. Unlike modern maps, it is oriented with east is the top, signifying it as the most important direction because of the presence of paradise. A giant Christ is embracing the world; his feet can be seen sticking out at very bottom in the west.

Detail of the Ebstorf Mappa Mundi: Adam and Eve in the Garden of Eden.

While Columbus certainly had more modern navigational maps at his disposal, he did believe – rightly so – that by sailing westward around the globe, he could reach what lay East of Europe. Finding himself approaching the mouth of the Orinoco river, Columbus was amazed by the vast quantities of freshwater flowing into the ocean. Contemporary depictions of paradise imagined a great river near paradise, the source of the four paradisiacal rivers that connected earth and paradise. This, together with the fertility and beauty of the land they sailed alongside, convinced Columbus that he was on the outskirts of the actual Garden of Eden, as he wrote in his log: “All this provides great evidence of the Earthly Paradise, because the situation agrees with the beliefs of those holy and wise theologians” (cited in Rushby 2006:69). An encounter with this blessed land’s inhabitants swept away all remaining doubts: “Canoes came to greet them and Columbus noted the finely proportioned people who wore pearls and gold on their necks and arms” (Rushby 2006:69) and who heaped the explorers with gifts of maize, fruits and tame parrots. The inhabitants seemed to have no sense of private property or ownership – something that amazed the Europeans navigators beyond measure. Although not new to Columbus, those parrots seemed significant. In Latin Christian theology, all animals could speak before the Fall. Now, “they were on the very doorstep of Eden and talking birds appeared” (Rushby 2006:69).

Although Columbus was a devout Christian, he was most certainly also influenced by other, more ancient, models of paradise: Ovid’s description of the Golden Age in his Metamorphosis when men and women lived together peacefully without the need for laws in a perpetually fruitful rural idyll,  the “rough-hewn place of innocence and rugged virtue” (Rushby 2006:70) of Arcadia, and the more refined perfection of Elysium. Features of these classical myths had been incorporated into Christian iconography for centuries.

Having reached his staggering conclusion of paradise’s proximity, Columbus never attempted to reach paradise itself; obviously it was inaccessible and beyond the horizon for ordinary humans (Scafi 2013:80). As he wrote in his log, he assumed the stream leading up to the summit to be impossible to navigate (Scafi 2013:80). For him, the “mystery that paradise could be simultaneously present on earth and also in the beyond was sufficient in itself” (Scafi 2013:80). Christian belief in an earthly Eden rested on its inherent duality: its separateness and simultaneous connectedness (through the four rivers) is the key to understanding the medieval worldview.

Talking Birds, watercolour illustration by Nora Kovats.

By attempting to unravel the geographical contradictions of paradise, renaissance Christian scholars found that they had set themselves a near impossible task. The notion of an earthly paradise was essentially a paradox, part of a real geography yet escaping ‘normal’ conditions such as climactic zones and scientific laws (Scafi 2013:82). In paradise there were no seasons, just a perpetual spring-summer, with fruits and flowers thriving simultaneously all year round. The question where on earth such a perfectly temperate place could be found pre-occupied many scholars and explorers; as did it eventually fuel Columbus’ imagination. Towards the end of the middle ages, the problem of earthly paradise’s exact location assumed greater significance in light of the recovery of astronomical geography – a part of the overall intellectual revolution indebted to Arab intellectuals in Spain, who (re)introduced ancient Greek and Islamic learning to Europe (Scafi 2013:82). The new geographical and astronomical data, allowing for more detailed maps and greater navigating precision, distanced the notion of earthly paradise further and further from any real terrestrial location. Ultimately, “deprived of its aura of mystery and being dissected as a topographical feature, the Garden of Eden was to prove to be in an inaccessible nowhere (Scafi 2013:83).

In his mistaken discovery of Eden, Columbus had indeed marked a turning point in the history of paradise-seeking (Rushby 2006:77). Broken in health and raving with religious obsession regarding the cataclysmic end of time and restoration of paradise on earth, Columbus died in 1509, “steadfastly believing that Cuba was part of Asia, also that he had located the Garden of Eden somewhere to the south of it, and that Christ was coming soon, thanks to his own efforts” (Rushby 2006:76). The wonderful possibilities of the new land, America, drew European minds away from old struggles between Islam and Christianity – at least for a while. The focus had “shifted away from the apocalyptic fever of religious battles in the Holy Land and towards nature and America” (Rushby 2006:77). Suddenly, earth had wider, unexplored spaces filled with novelties and distractions; spaces that needed to be explored, treasures of discoveries to be hauled back and re-assembled at home in a paradisiac microcosm of the known world: the birth of the cabinet of curiosities, the botanical garden and private ‘natural science’ collections.

Orangery at the Botanical Gardens in Florence. The Orto Botanico is among the earliest botanical gardens, founded in 1545 by Grand Duke Cosimo dei Medici for the purpose of collecting and cataloging interesting plants, especially plants with medicinal properties. Photograph by Nora Kovats, 2015.

Sources:

·      Hobhouse, Penelope, with Edwards, Ambra. 2019. The Story of Gardening. United Kingdom: Pavilion Books Company Ltd.

·      Rushby, K. 2006. Paradise – A History of the Idea that Rules the World. United Kingdom: Constable Publishers.

·      Scafi, A. 2013. Maps of Paradise. London: The British Library.

2022 Rückblick

Rückblick 2022

Ein Rückblick über das bunte, bewegte Jahr 2022.
Auf Deutsch.

 Zweitausendzweiundzwanzig. Ein Jahr wie ein Karussell: voll, bunt, wirbelnd, viel zu schnell, und abwechslungsreich. In diesem Rückblick möchte ich nochmal einige der wichtigsten Erlebnisse revue passieren lassen.

Da im Januar fast nichts in Bamberg passiert (alle erholen sich noch von der Weihnachtszeit), und noch weniger in der zeitgenössischen Schmuckszene, nutzten wir diese Zeit, zu meiner Familie in den Süden zu flüchten. Unsere Südafrikareise war von traumhaft schönen Naturszenerien, kostbarer Zeit mit meiner Familie und bürokratischen Kämpfen geprägt.

An der Küste begegne ich immer meinem inneren Kind; diesem energiegeladenen, endlos zu begeisterndem Wesen, dass in die Gezeitentümpel eintaucht, dass unter Wasser atmen kann, in der Luft schwimmen und zwischen den Sternen tanzen.

Seeanemonen und anderes Getier zieren die Gezeitentümpfel an der Felsenküste von Hermanus. Einen ausführlicheren Einblick in diese Reise gibt es in meinem Blogeintrag zu diesem Thema.

Alvaro sammelt während einer Wanderung oben auf dem Tafelberg schneeweißen Sand - der später in diesem Jahr zum Einsatz kommen soll. Anders als vielleicht erwartet ist es oben auf dem Tafelberg überhaupt gar nicht flach, sondern hügelig, mit verschiedenen Mikroklimazonen und Ökosystemen, und es gibt sogar Stauseen dort oben.

Zurück in Bamberg erscheint in der Märzausgabe des Stadtecho ein Artikel über uns und unser Atelierprojekt NONNE 11.

Und es wird Frühling! Wer mich kennt, weiß, wie sehr mich die Jahreszeiten prägen, wie ich das Wachsen, Blühen und Sterben der Natur jährlich aufs Neue miterlebe, mitfühle. Die ersten Blüten im Frühling, das Vogelkonzert, das Hellerwerden der Tage löst in mir eine gewaltige Dopaminausschüttung aus.

 Zum Jaresbeginn zeigten Alvaro und ich im Rahmen der Europäischen Tage des Kunsthandwerks in unserem Atelier einige Handwerkstechniken: Es gab Vorführungen zu den Themen Emaillieren, Patinieren und Sandguss. Dabei war es unsere Absicht, diese traditionsreichen Handwerkstechniken wirklich erlebbar zu machen: Wir wollten die Geschichten hinter der Faszination Handwerkskunst erzählen und herausarbeiten, warum dieser Schaffensprozess uns Menschen so tief berührt.

In eigener Praxis arbeitete ich zwischendurch an besonderen Stücken, an üppigen Emaillecolliers, Statement-Ohrringen und Broschen für kommende Verkaufsausstellungen, Messen und Wettbewerbe.

Eine Symphonie aus Blautönen und Süßwasserperlen wie Sylphen-Tränen entsteht auf meinem Arbeitstisch. Das Collier ist momentan in der Galerie Pasori in Bad Homburg erhältlich.

Ich, und die Emaillefarben, und das Hörbuch. Mit Hörbüchern und Lieblingspodcasts tauche ich stundenlang in einen Flowstate, in dem ich weder das Vergehen der Zeit noch Müdigkeit spüre, auch wenn ich die ganze Zeit auf den Beinen bin.

Im Hain gibt es jetzt Bärlauch; mein Interesse an essbaren Wildpflanzen kann sich endlich voll entfalten, denn außer Brennnesseln und zaghaften grünen Frühlingsblättern für den Salat gibt es endlich “echtes” Wildgemüse draußen. Seit einigen Jahren schon fasziniert mich das Thema, aber erst hier in Bamberg finde ich gute Sammelorte, die mir nicht von Tieren und Menschen verseucht scheinen.

Alvaro präsentierte eine Vorführung zum Thema Patina. Dabei wird Schwefelleber langsam in Wasser aufgelöst und über einer Flamme erhitzt. Darin werden Schmuckstücke aus Silber bläulich-schwarz gefärbt.

Zu den Europäischen Tagen des Kunsthandwerks zeigte ich in einer Emaillevorführung, was mich an dieser alten Schmucktechnik so fasziniert. Mehr dazu habe ich hier in diesem Blogeintrag übers Emaillieren geschrieben.

Der schwiegermütterliche Garten, verwunschen, mit dunklen Nadelbäumen und hellen Tulpenfarbpunkten, in all seiner Oster-Pracht.

Zu Christi Himmelfahrt findet jedes Jahr das Haxthäuser-Hof Schmucksymposium statt (ehemals Zimmerhof). Hier treffen sich Jung und Alt der zeitgenössischen Schmuckszene zum Austausch. Dieses viertägige Event (das auf Englisch stattfindet) ist inzwischen recht international besucht; Referent:innen und Besucher:innen kamen aus den USA, Belgien, Australien, Dänemark, Holland, Ungarn und natürlich aus dem deutschsprachigen Raum. Es gibt Vorträge von Schmuck-Experten diversester Hintergründe und Themenbereiche, dazu werden alle Anwesenden wunderbar bekocht und abends laden Bar, Lagerfeuer und Tanzboden zum weiteren Austausch ein. Die kreativen Batterien werden wieder neu aufgeladen.

Der Schmucktisch: Ein Highlight des Symposiums. Hier legen alle Teilnehmenden, die möchten, ein selbst gefertigtes Schmuckstück auf einen langen weißen Tisch. So kann jeder sich ungezwungen Feedback zur eigenen Arbeit erfragen, oder andere Arbeiten sehen und sich an der Fülle der geballten Kreativität ergötzen.

Im Juni feierten wir unser einjähriges Bestehen als NONNE 11 mit einer Sommerausstellung - für uns in dieser Zeit, geprägt von Corona, Krieg, Inflation und allgemeiner Entropie, doch ein bedeutender Meilenstein. Durch Zufall ergab sich eine wunderbare Kooperation mit dem Bamberger Komponisten Jochen Neurath, der eigens für den Atelierraum das experimentelle Konzert KOSMOS/WELLEN für Kontrabassklarinette und Kontrabass schrieb.

Jochen bei einer Probe im Atelier NONNE 11: Es entsteht ein spannungsvoller, mit den Erwartungen der Zuhörer spielender Dialog zwischen den beiden Musikern.

Alvaro und ich mit Jochen Neurath und den beiden Musikern, die dieses Musikprojekt verwirklicht haben: Marc Lardon auf der Kontrabassklarinette und Stephan Goldbach auf dem Kontrabass.

In dieser Zeit perfektioniert Alvaro seine Ringkollektion Terra et Ignis. Dabei ist jeder Ring, aus Erde und Feuer geboren, ein Einzelstück, manchmal sogar mit direkt eingegossenem Stein. Dafür können nur Steine verwendet werden, die den enormen Hitzeschock des flüssigen Metalls auch aushalten: Rubine, Saphire und Diamanten. Edelsteine finden wir inzwischen fast ausschließlich über Unternehmen, die sich auf fair gehandelte Steine spezialisieren oder Altbestände wieder in Umlauf bringen. Eine besonders inspirierende Schatzkammer haben wir bei David Feulner von der Firma Robert Schütt Witwe in Pforzheim entdeckt. David besuchte uns hier im Atelier NONNE 11 und erzählte in einem Artist Talk Geschichten über Edelsteine. Die Firma Schütt verkauft nur noch wiederverwertete Edelsteine aus Altbeständen, teilweise auch neu geschliffen. Das Motto lautet: No more mining!

Dieser Sommer war eine Saison der Feste: Ausstellungen, Hochzeiten, Abschlüsse und Neuanfänge.

Meine Cousine Manu spielte ihr Uni-Abschlussexamen auf der Borockgeige in Utrecht, mitten im botanischen Garten.

Zwischen allen Feierlichkeiten gab es einen Messeauftritt für mich auf der “Handwerk & Design” in München. Wegen einiger coronabedingter Ausfälle war die Messe, die normalerweise im März zeitgleich mit der Munich Jewellery Week stattfindet, zum ersten Mal im Sommer. Trotz trauriger Besucherzahlen war es doch ein erfolgreiches Messeerlebnis mit vielen guten Begegnungen. Hier bin ich mit einem Hut meiner Standnachbarin Nada Quenzel zu sehen.

Foto von Rainer Wiencke.

Die Wochen zwischen Ausstellungen und Messen nutzen wir zum weiteren Ausbauen unserer Kollektionen. Wir schaffen im Atelier… ich arbeite an meiner Emailletechnik, sammle Farben, Alvaro experimentiert im Sandguss und arbeitet an seiner Memorabilia-Kollektion.

Meine Emaillefarben dokumentiere ich gerne mit Farbmustern, sodass ich einen Überblick behalte, welche Farben und Farbkombinationen möglich sind. Oft hilft ein Blick auf die Farbpalette, genau den richtigen Rotton oder das perfekte Grün für ein bestimmtes Projekt zu finden.

Zwischendurch gibt’s selbstgemachtes Crème Brûlée; der Gasbrenner ist bei uns vielseitig einsetzbar.

Im Juli/August bekommen wir beide ein Stipendium des Freistaats Bayern „Junge Kunst und neue Wege“, jeweils mit 5000 € dotiert. Es ist eine Ehre und eine Erleichterung, kreative neue Projekte entwickeln zu können, ohne direkt an ihre Verkäuflichkeit denken zu müssen. Alvaro entwickelt seine Memorabilia-Kollektion, verbringt Stunden mit dem Sortieren und Komponieren getrockneter Pflanzen. Ich zeichne Entwürfe für eine neue Kollektion; sie soll plastischer, dreidimensionaler, vielschichtiger als die bisherige Arbeit sein. Dazu experimentiere ich mit Emailletechniken, versuche dabei taktilere Oberflächen und emotional ausdrucksstarke Farbkombinationen zu finden, um anhand der Experimente eine neue Kollektion zu entwickeln. Als Prototyp entsteht momentan ein Statement-Collier, das wie ein tragbarer Paradiesgarten, ein atmendes Ökosystem aus Fungi, Ranken, Blüten und Knospen, fast lebendig wirken soll. Der Januar und Februar 2023 - mit weniger Ablenkung von Außen und mehr Luft zum kreativen Arbeiten - soll komplett dem Projekt gewidmet sein.

Sommer! Ein ganz alltäglicher Wiesenstrauß schmückt den Küchentisch und lässt mich immer wieder staunen, welch üppige Vielfalt auf einigen wenigen Quadratmetern zu finden ist. An Wochenenden oder lauen Sommerabenden treibt es mich ins Bamberger Umland, und ich erkunde die Wanderwege um die Altenburg, die Pfade, die den Michelsberger Wald kreuzen, oder den Hain bis über Bug in den Bruderwald auf endlosen Spaziergängen. Beim Gehen fällt mein Denken in einen tranceartigen Zustand, in dem ich nicht nur viele Probleme durchdenke, sondern auch oft eine Art gedankliches Reinigungsgefühl und einen tiefen inneren Frieden empfinde.

Es entstand bläulich-florales Geschmeide: aufwendig emaillierte Ohrhänger mit Tahitiperlen und blassgelben Diamanten im Rosenschliff. Diesmal für keine Kundin, sondern für mich selbst, als Hochzeitschmuck.

Auf der benachbarten Baustelle wurde ein Schutthaufen, auf dem schon seit Monaten die schönsten Sonnenblumen halb wild wuchsen, umgegraben, die Blumen achtlos beiseite geworfen. Ich beobachtete das Massaker aus dem Küchenfenster und lief natürlich sofort rüber. Danach zierten drei gigantische Sonnenblumensträuße eine Zeitlang unsere Wohnung. Die Tasse - meine tagtägliche Kaffeetasse aus der niemand außer mir trinken darf - hat meine Großmutter getöpfert.

Zum Thema Trauringe: gar nicht so einfach, sich zu entscheiden. Unsere, jeweils füreinander gefertigt, sind aus 900er Gold mit einem rötlichen Schimmer, wie die letzten rotgoldenen Strahlen der untergehenden Sonne, Golden Hour. Die Ringe sind im Sandguss hergestellt, mit selbst gesammelten Sanden vom Tafelberg in Kapstadt und vom Walberla in der Fränkischen Schweiz - symbolisch für unsere jeweiligen Heimatsorte.

Im September besiegelten Alvaro und ich unser Beisammensein formell. Unser Hochzeitsfest, ein Sonne-und-Mond-Zeremoniell, fand im kleinen Rahmen statt. Ein besonderes und intensives Wochenende, voller kostbarer Augenblicke, Bubbles, Lachen, Anspannung, den besten Wünschen, fränkischen Brotzeiten, südafrikanischen Weinen, und vielen emotionsgeladenen Begegnungen. Und da war der Birnbaum im Garten unserer Feierlocation, blühend im September, wie eine Schneekönigin, ganz in der falschen Jahreszeit, vielleicht eine Notblüte wegen der großen Trockenheit im Sommer, vielleicht auch einfach extra für uns als Geschenk des Himmels.

Unsere Trauung konnte - gerade in einer dramatisch beleuchteten Regenpause - unter freiem Himmel stattfinden. Danke Jonas für das Foto.

Es gab noch ein paar kostbare Tage gemeinsam in Bamberg mit Mutter und Bruder, die speziell für die Hochzeit aus Südafrika angereist waren - dann gings wieder in den Alltag über, und zwar in die Vorbereitung der anstehenden Messen.

Am 3. Oktober fand zum ersten Mal seit der Pandemie wieder der Bamberger Antikmarkt statt. Ich bedauerte, nicht kleiner zu sein, bzw. dieser Marienkäfer nicht größer.

Im Oktober verbanden wir zwei Messeauftritte in Berlin und Leipzig an aufeinanderfolgenden Wochenenden zu einer zweiwöchigen Messetour. Ich stellte auf der Zeughausmesse aus, mit Alvaro als Wingman (bei meinem 4-Meter-Stand eine Notwendigkeit). Zum ersten Mal fand die Zeughausmesse nicht im Deutschen Historischen Museum Berlin statt. Wegen größerer Renovierungsmaßnahmen im Museum kann die Messe dort nicht mehr stattfinden, und so haben die Veranstalter im KühlhausBerlin eine geeignete Alternative gefunden. Die Zeughausmesse, wie sie im Zeughaushof des DHM stattfand, war bestimmt beeindruckend mit der hohen Glasdecke, den steinernen abgeschlagenen Köpfen von besiegten Feinden, und dieser feierlich-formellen Aura des Historischen. Aber die Messe dort war auch ein wenig festgefahren, eingeengt von den Grenzen des Raums und den Erwartungen des Museumspartners. Mit seinem industriellen Ambiente und einer mehrstöckigen offenen Galerie schafft das Kühlhaus - finde ich - den perfekten Raum für eine Messe, die zeitgenössisch sein will, die sich an den neuesten Strömungen der Angewandten Kunst orientieren will.

Meine persönliche Messeerfahrung auf der Zeughaushausmesse war in diesem Jahr durchaus positiv, im Gegensatz zum vergangen Jahr. Es gab interessante Begegnungen, Kundengespräche, ein nettes kollegiales Miteinander, und Verkäufe. Allerdings konnten nicht alle Kolleg:innen meine Meinung teilen; viele schienen um ihr altes Stammpublikum aus dem DHM zu bangen. Ich denke, dass zwar manche Stammkunden den “Umzug” nicht mitmachen, dafür aber ein neues - und jüngeres - Publikum vom Kühlhaus angesprochen wird. Mit guter Pressearbeit, Durchhaltevermögen und einer positiven Einstellung kann die “neue” Zeughausmesse im Kühlhaus noch besser werden als die alte.

Die Grassimesse im Grassimuseum Leipzig überzeugt jedes Jahr aufs neue mit einer starken Auswahl an qualitativ hochwertiger Gebrauchskunst, und vor allem mit der durchdachten Kuratierung (seit Beginn der Pandemie werden Aussteller:innen der Messe teilweise auch in der historischen Sammlung des Museums ausgestellt, dabei entsteht ein spannender Dialog zwischen zeitgenössischer Kunst und historischen Objekten). Alvaro stellte also hier aus, und ich assistierte. Er war, passend zu den Themen seiner Arbeit, in der Nördlichen Renaissance angesiedelt. Insgesamt waren diese Tage für uns ein beflügelndes und ermutigendes Messeerlebnis, denn wir konnten beobachten, wie viele Besucher:innen ernsthaft von Alvaros Schmuckstücken berührt waren.

Beutebild! Wieder zu Hause nach den Messen machte ich lange Herbstspaziergänge und streifte durch die Wälder. An einem besonders ereignisreichen Pilzsammeltag (begleitet von einem Freund, der erfahrener Pilzkenner ist) brachten wir so reiche Beute heim, dass ich mich zu diesem Jagdbild auf dem Küchentisch hinreißen ließ. Es folgten Pilz-Pasta-Saucen, Pilzrisottos und ein wild-waldig schmeckender Wintereintopf mit Rotweinsauce und Maronen. (P.S. Weiß jemand, wo in Bamberg man gutes Wild herbekommt? Für mich immer noch die ökologischste und sozial akzeptabelste Art, Fleisch zu essen.)

Manche Pilze, wie der hier links, sind einfach nur schön und nicht unbedingt für den Kochtopf gedacht. Als Muster-Sammlerin bleibt mein Auge immer an solchen Bildern hängen, ob bei Pflastersteinen, gestapelten Holzscheiten, Blättern, oder Pilzlamellen.

Inspiration für weitere Blätterfresser, die inzwischen zu einer über viele Jahre andauernden Serie geworden sind. Hier sind zwei Lebenswillen ineinander verzahnt: Ein kleines Knabberwesen auf der Suche nach Nahrung, und ein größeres Pflanzenwesen auf der Such nach Licht. Ein für unsere menschlichen Ohren stilles Drama, eine Geschichte von Geben und Nehmen und Überleben, vom Trotzen. Die Blätterfresser erzählen vom tödlichen Leben, vom lebendigen Sterben. Sie erinnern daran, dass nichts ewig ist, und doch alles immer wiederkehrt. Daran, dass auch wir Narben und Fraßspuren sammeln, die oft nur den Überlebenswillen anderer Wesen auf unseren Körpern und Seelen markieren. Der Herbst bleibt meine Lieblingsjahreszeit.

Übrige Zeit und Energie wird in kleine Verbesserungen des Ateliers gesteckt. Gerade rechtzeitig vor der dunklen Jahreszeit installierten wir eine neue Schaufensterbeleuchtung, sodass unsere Schmuckkreationen auch am Abend und bei Nacht im Schaufenster betrachtet werden können. Der Unterschied zum Schaufenster vorher ist gewaltig; das hell erleuchtete Fenster strahlt eine Lebensfreude aus, die wir alle in dieser Zeit so dringend brauchen.

Im November stellten wir die Arbeiten des Metallgestalters und Gold- und Silberschmiedemeisters Tim Udvardi-Lakos aus. Tim verbindet traditionelles Handwerk mit modernem Design, und zeigte Werke aus mehreren unterschiedlichen Kollektionen, die sich in ihrem Ausdruck und den verwendeten Techniken auffällig unterschieden. Die Stücke reichen von figurativer Skulptur (z.B. die mythologisch inspirierte Ghost-Kollektion) bis abstrakter Komposition (wie der Serie “Die Grenze zum Nichts”). Dabei liegt das Augenmerk immer auf dem Immateriellen hinter dem Objekt und seiner Wirkung auf den Menschen. Durch seine Stücke sucht er das Leben von Menschen zu bereichern und ihnen Begleiter für den Alltag an die Hand zu geben, die ihnen dabei helfen ihre Persönlichkeit auszudrücken.

Tim blieb während der gesamten Dauer der Ausstellung in Bamberg, baute sich sogar eine Pop-up-Werkbank bei uns im Atelier auf. Es sind kostbare Erinnerungen - das gemeinsame Arbeiten, lange Spaziergänge, ein reicher Gedankenaustausch, Kochabende und Begegnungen mit verschiedenen Besucher:innen. Tim stand zur Zeit der Ausstellung vor einer großen Lebensentscheidung - wie weiter, nach dem Master an der HAWK in Hildesheim? Inzwischen ist er in den Schwarzwald gezogen, wo er sich und seine Schmuck-Karriere in den kommenden Jahren weiter entwickeln wird.

Ausstellungseröffnung ZWISCHEN RÄUMEN mit Tim Udvardi-Lakos (vor der Granatapfel-Schaufensterscheibe im grünen Pulli).

Während Tims Ausstellung ergab sich die Gelegenheit, mit allen, die bis jetzt bei uns im Atelier NONNE 11 ausstellten oder ein Projekt umsetzten, gemeinsam essen zu gehen. Aus dem vergangenen Jahr sind noch die Bamberger Künstler Rosa Gies und Gabriel Tarmassi dabei, die Flechtkunst und Holzobjekte als Teil einer dreiteiligen Winterausstellung im Dezember 2021 bei uns ausgestellt haben. Lars Kanter, ebenfalls bei der Winterausstellung 2021 mit dabei, ist hier zum Zeitpunkt der Bildaufnahme gerade noch im Anflug; sein Essen wird mittlerweile in der Mitte warm gehalten.

Wir beide, vor unseren Arbeitsplätzen im Atelier. Das Foto entstand für einen Artikel in der Lokalpresse: Moderne Alchemie im Atelier NONNE 11.

Dieses Jahr war vor allem ein Jahr des Ankommens. Das erste vollständige Jahr im Atelier NONNE 11, ein Jahr in dem sich das Kulturleben in Bamberg wieder räkelte und die Lethargie der Pandemie abzuschütteln versuchte. Es war ein Jahr der Begegnungen – so viele davon, dass ich mir Eselsbrücken bauen muss, um mir alle Namen und Gesichter zu merken. Ein Jahr des Angenommenwerdens, unter Nachbarn, neuen Freunden, der künstlerisch orientierten Community in Bamberg. Ein Jahr der Gespräche, der Ideen und inneren Entwicklungen. Und auch im privaten Bereich ein großes Ankommen und geerdet werden im Glück.

Ich kann also jetzt sagen, dass ich in Bamberg angekommen bin - und dass ich bleibe.

Frohe Weihnachten und ein innerlich reiches neues Jahr 2023 euch allen!

Schmucksymposium: A jewellery gathering

Schmucksymposium:

A jewellery gathering

Meeting at an annual jewellery symposium.
Written in English.

After two years of social starvation, induced by the pandemic, we finally met again. We - that’s my tribe: a global community of jewellery makers, craftspeople, writers, curators, thinkers and art enthusiasts. At Haxthäuserhof Jewellery Symposium (formerly known as Zimmerhof), hidden away in the German countryside between apple orchards near Mainz, about one hundred creative souls gather each year to spend Ascenscion weekend together.

While the logistical organizing team is more or less fixed, the symposium’s theme and content is usually chosen by different team of established artists/practitioners in the field of (contemporary) jewellery each year. This year‘s Haxthäuserhof Schmucksymposium was centered around the theme BLISS - personal bliss, how creative practice can be bliss, what following one’s bliss can mean in different contexts, how to stay on the path searching for one’s bliss - despite all the distraction and horror crowding in from the outside world. Our team for this year - Claudia Hoppe and David Huycke - gathered together a group of remarkable speakers to feed our minds and souls in twelve lectures.

These lectures were interspersed with coffee-breaks and meals prepared by talented Berlin-based chef Christoph Esser (how he manages to create so much flavour in a simple lentil dish remains a mystery to me!), followed by a couple of drinks from the bar, great camp-fire conversation and dancing as the night progresses. Nights were short. Days were overflowing with stimulating creative input.

A sincerely moving lecture by jewellery artist Mirjam Hiller, describing her creative process of coaxing a 3D-object from a flat sheet of metal.

This year’s speakers highlighted the many different paths towards bliss. The gathering included perspectives on creative practices by

• renowned Dutch designer Aldo Bakker,

• artistic jewellery maker and researcher Lore Langendries, based in Hasselt, Belgium

• German art and contemporary jewellery journalist Christel Trimborn

• German jewellery maker Nicole Walger

• Danish goldsmith and jewellery trailblazer Kim Buck

• post-doctoral AI-researcher Anneleen Swillen, based based in Hasselt, Belgium

• Eva Monnikhof, director of DIVA, diamond museum in Antwerp

• German philosopher-poet and jewellery maker Mirjam Hiller

• silversmith and course leader of PXL-MAD School of Arts in Hasselt, Berlgium, Nedda El-Asmar

• iconic Australian jewellery maker(-poet) Robert Baines

• German art historian and maker Julia Wild, also teacher at Hochschule Trier

• well-known Spanish jewellery designer Marc Monzo

Our chef de cuisine, Christoph, who kept everyone well-fed and happy with delicious, wholesome meals for the entire weekend.

Cooking for a hundred people is no easy task.

Schmucktisch.

Ready for the guests. Haxthäuserhof is a beautiful and remote location with the added benefit of having no WIFI and atrocious cell signal.

Schmucktisch.

Together, these lectures wove themselves into a bright and richly textured tapestry, a braid of diverse stories and experiences. The colourful narrative threads had a deeply personal tone in common. These glimpses into the intimacy of someone’s creative practice truly moved me, and left me with an almost-tangible kernel of something golden and solid and precious clutched in my fist, more valuable than money or status or power, a little piece of bliss to hunt for, or at least the certain knowledge that it exists somewhere on this meandering creative path. Not everywhere, not always, but definitely sometimes.

Escaping for a walk in nature between lectures to clear the mind.

Lecture by Danish goldsmith Kim Buck, featuring his well-known Daisy Series referring to the Danish Daisy brooch made in 1940 to commemorate the birth of queen Margarethe.

Many speakers brought examples of their work, allowing participants to have a close-up look, feel the textures, and ask questions about their pieces. Here are animal hide brooches and neckpieces by Lore Langendries.

Kim Buck, one of this year’s speakers, has kindly agreed to organize next year’s symposium together with a jewellery colleague Karin Johansson, based in Gothenburg, Sweden. We are looking forward to their choice of themes and speakers!

A glimpse of the barn where all lectures took place, semi-obscured by a fragrant kitchen garden.

Schmucktisch.

WARUM EIGENTLICH EMAILLE?

Warum eigentlich Emaille?

Ein kurzer Essay über meine Emailletechnik.
Auf Deutsch.

Das Emaillieren ist mehr als eine Werktechnik für mich, es ist ein Dialog, ein Tanz, ein Geben und Nehmen, nötig in einen dynamischen Schaffensfluss einzutauchen. Der Prozess des Emaillierens wird so zum Ritual, und die Farben zu Mitgestaltern des Geschehens.

Vereinfacht gesagt, wird beim Emaillieren eine glasähnliche Mischung aus Silikaten und Oxiden entweder in Pulverform oder flüssig auf ein Trägermetall aufgetragen und bei hohen Temperaturen im Brennofen aufgeschmolzen. Der glänzende Glasüberzug erlaubt eine leuchtende Farbgestaltung, die durch komplexe Lichtbrechung in transparenten Farbschichten oder ineinander gemischte, changierende Farbpunkte für das menschliche Auge magisch wirkende Effekte erzielt.

 Oberflächlich gesehen, handelt es sich dabei um eine von vielen Schmucktechniken, die durch moderne Technologien wie elektrische Brennöfen und Pulverpressen wesentlich vereinfacht wurden. Trotzdem trete ich bei meiner Arbeit in die Fußstapfen einer Tradition, die über Jahrtausende hinweg durch aufwendige und okkult verschlüsselte Methoden den Elementen ihre Geheimnisse zu entringen suchte.

 Ich verfalle dem Rhythmus der Arbeit, dem aufwändigen Waschen der Farben, dem Öffnen und Schließen des Brennofens, der Wartezeit der tickenden Bauchuhr, dem glühenden Hitzeschwall, dem metallischen Geräusch des Erkaltens, der Wiederholung der Bewegungen, dem Kreisen um eine nie erreichbare Perfektion. Alles synchronisiert sich zu einem größeren Ein- und Ausatmen. Die Zeit steht still und bewegt sich doch im unaufhörlichen inneren Takt weiter. Ich arbeite im Trance.

 Der Emailletanz, zum Ritual geworden, verbindet für mich die von Geheimnissen ummantelten Traditionen der Alchemie, Goldschmiedekunst und Mystik zu einem verwobenen Ganzen. Wie auch in diesen antiken Künsten, spielen die klassischen Elemente beim Emaillieren eine wichtige Rolle: Das Wasser des Waschens, das Feuer des Brennofens, das Metall und die Farboxide aus der Erde, die chemischen Reaktionen, erst durch die Luft ermöglicht - sie alle bestimmen durch ihren Einfluss den Ausgang des Geschehens.

Dem Arbeitsprozess wohnt für mich eine Magie inne, die es hervorzulocken gilt. Das funktioniert nicht mit Wille und Gewalt, sondern nur durch Zeit und Zuwendung, Geduld, Demut, und dem Wissen, dass dieser Emailletanz mir eine Tor zu etwas Größerem, Mitreißenden öffnen kann.

Emaillebrocken aus fliederfarbenem Opalemaille; im Hintergrund verschiedene Grün- und Gelbtöne.

Emaille, Rot wie Blut, als Splitter im Mörser und als Pulver im Sieb.

Emaillepulver wird auf ein handgesägtes Werkstück aus Kupfer aufgesiebt.

Dabei sind Farben für mich von großer Bedeutung. Schon als Kind war meine Welt von Farben bevölkert; Ziffern, Buchstaben und Töne waren mit bestimmten Farben assoziiert und Wörter oder Zahlenreihen folglich als Farbsequenzen abgespeichert. Die Farben entwickelten eigenen Persönlichkeiten für mich, eigene Wesen mit individuellen Charakterzügen und eigenen Intentionen. Das Emaillieren zog mich wohl deshalb so früh in meiner Schmuckkarriere in seinen Bann, weil ich dort die Begegnung mit den Farben für mich erlebbar machen konnte.

Was wollen die Farben? Wie kann ich sie verstehen lernen, mich annähern? Beim Emaillieren geben sie sich mal zickig und verschrumpelt, dann wieder glatt wie windstilles Wasser, trüb, leuchtend transparent oder opak und verschlossen, verspiegelt, geschmeidig und umgänglich, oder abweisend und spröde; manche verlangen Lage um Lage sorgfältig übereinander geschmolzener Präzision, andere sind beim ersten Versuch speckig-glatt und zufrieden. Schnell beleidigt brennt sich die eine Farbe Löcher in den Rand, eine andere glättet Unebenheiten und Meinungsverschiedenheiten mit großzügiger Gestik.

Um die Farben besser kennen zu lernen, bekommen sie von mir eigene Namen, Alltagsdichtungen, die ich aus persönlichen Erfahrungen und Assoziationen heraus für jede Farbe finde. Dafür muss ich mich im Zuhören üben, muss mich die Farbe etwas angehen lassen, mich ihr vertraut machen. Mir die Farbe vertraut machen - das beutet, sich zu öffnen, sich verletzlich machen. Ich suche nach Namen, die auf der Zunge prickeln, beschreibende Namen wie „Schnee von Gestern“ oder „Geisha Blush“ oder „Madame de Pompadours Kleid“, „Verbrannte Koralle“ oder „sonnendurchflutete Eichenblätter im Frühling“. Ich weiß damit nicht nur genau, was gemeint ist, sondern kann auch einen Fetzen Lebenserfahrung in einer Arbeitschronik greifbar festhalten.

Meine ganz persönliche Farbtabelle.

Von “Disney-Prinzessin-Kleid” bis “Barberton Daisy”: Die Farben bekommen Namen, die für mich ein Stückchen ihres Wesens einfangen, und gleichzeitig eine Beschreibung meiner Realität darstellen.

Farben sind soziale Wesen. Am stärksten ist eine Farbe in Kombination mit genau der richtigen anderen Farbe. Diese Kombinationen ergeben sich oft experimentell, sind unvorhersehbar und einzigartig; mal stärken sich die Farben im Trio, oder schwächen sich gegenseitig in ihrem Auftreten. Selten lässt sich eine gelungene Kombination oder ein Farbeffekt ganz genau duplizieren.

 Und während ich langsam begreifen lerne, erkenne ich, wie viel es noch zu lernen und zu verstehen gibt, und fühle mich von einer Ehrfurcht vor der Größe des Ganzen ergriffen.

Diese innere Welt, verborgen hinter der glänzenden Oberfläche des Emaille und regiert vom Pantheon der Farben und Elemente, begleitet mich auch über den Arbeitsprozess hinaus in meinen Alltag. Die Farbgötter und Elemente beherrschen für mich auch Jahreszeiten, Zyklen, Emotionen, Lebensphasen, Transformationen im Großen und im Kleinen.

 Verlangen die Farbgötter Opfer? Alles hat seinen Preis, und meistens bezahlen wir mit Lebensenergie, mit unserer unwiederbringlich dargebotenen Zeit. Die Farben verlangen echte Hingabe und Aufmerksamkeit, um sich in ihrer vollen Pracht zeigen zu können. Nur durch die ehrlich und ernst gemeinte Bereitschaft, mich ihnen zu widmen, geben die Farben sich wirklich preis. Die Stücke, die aus einer solchen Hingabe geboren sind, flirren in einem eigenen, kaum wahrnehmbaren Energiefeld. Durch diesen Entstehungsprozess, durch die Waschung in reinem Wasser und die Läuterung des Feuers, wird zudem etwas im Wesentlichen der Farben befreit, aus sich selbst herausgelöst, das wohl zu spüren ist aber niemals in Worte zu fassen.

Während ich diesem Weg des Emaillierens folge, kann ich unter endlos vielen Seitenpfaden wählen. Ich kann Goldschmiedekunst, Farblehre und Farbpsychologie durch eine kulturhistorische Linse betrachten, kann mich in die Tiefen der Optik verstricken, in die Mystik und Alchemie eintauchen, oder mich im Zauber der Edelsteine verlieren, von dort zur Geografie und Geschichte des Kostbaren hüpfen, mich in den Wirren eines Krieges stürzen, immer auf der Spur der Frage, was den Menschen zu welcher Zeit etwas bedeutet hat, und warum. Solche Exkursionen bringen mir das Thema mit zunehmender Komplexität näher und verdeutlichen immer wieder für mich eine große Wahrheit: Alles ist mit allem Verknüpft. Alles nimmt Einfluss aufeinander. Und nichts ist jemals Bedeutungslos.

Gerade verschmolzen, bilden sich Farbsprenkel, die manchmal an die feinen Farbpunkte des Pointillismus erinnern.

Ohrschmuck im Werden, auf seinem Stahlgestell abkühlend.

Ultramarin, König der Blautöne - hier in feinen Emaillesplittern, die nur halb aufgeschmolzen sind, um durch diese spürbar raue Oberfläche Spannung zu erzeugen.

Im Alltag begegnen mir oft besondere Farbkombinationen, die sofort in Emaille umgesetzt werden möchten.

“Poeletjie”, Brosche aus Emaille und Silber. Hier bricht sich das Licht im Innern des transparenten Türkisblaus auf geheimnisvoll schillernde Art und Weise.